晨报记者 邱俪华

10月27日至31日，由新东方主义美学大师叶锦添首度执导的舞台剧《倾城之恋》正式首演登陆上海大剧院。此前举行的试演中，总导演叶锦添炉火纯青地通过多媒体电影影像、流动的舞台装置、华丽而斑斓的服装，将视觉和空间带来的“后戏剧剧场”充分展现。而实力派演员万茜与宋洋的亮眼表现，也再现了张爱玲笔下动听而近人情的“平凡传奇”。 叶锦添：电影与舞台结合

做一场盛大的“时空实验” 舞台剧《倾城之恋》最大的特别之处就是电影与舞台的结合。不少观众在观后表示：“高级的质感”“时而抽离，时而沉浸的感觉太奇妙了”“看到了传统戏剧舞台上看不到的东西”“颠覆了认知”。当然，也有观众看后表示，“影像部分太多了，跟自己想象中的舞台剧不一样。”

确实，这次叶锦添作为导演，使用了不同于常见在戏剧舞台上的实时影像技术——话剧《倾城之恋》中的电影部分，是专门提前拍摄的。叶锦添表示，因而其所承担的职能不仅仅只是人物情绪与反应的放大与特写，舞台与影像虽然处于同一空间，却拥有不同的时间节奏，时而成为身体关系和情绪反应的“二次曝光”；时而是舞台人物的闪回，戏剧人物被分配和指派在特定的环境中奔走与驻足，成为现在与过去的“互文”。 《倾城之恋》的故事其实很简单：白流苏被兄嫂所不容，为了逃离这个古老家庭的颓败生活，她用自己的青春孤注一掷，和纨绔子弟范柳原展开了一场斤斤计较的爱情博弈。一场战争成全了他们，两个人终于做了一对平凡的夫妻，力图抵住单调、无望、孤独的宿命。

张爱玲的作品常常以氛围感取胜，颓败而冷漠的白公馆，伶俐机智却没有热情的这一对“自私的男女”，狡黠而空虚的爱情博弈以及荒凉的结尾，都被叶锦添用电影的视觉叙事创造了大量的文本以外的全新体验，这个大胆的尝试也打破了大众认知中台词密集的戏剧观演经验。 因为影像部分在全剧中占用的篇幅较大，甚至连“张迷”最重视的“打电话”的一场重头对手戏也用了电影镜头表达，也让不少观众表示“意外”。

万茜“白流苏”无声的演技 宋洋“范柳原”声音圈粉

编剧张敞曾在观看完联排合成之后，在微博上盛赞扮演白流苏和范柳原的两位演员万茜、宋洋“是目前我看到的最生动的白流苏”“范柳原的塑造一定是最大惊喜”。 为了表现张爱玲小说中独树一帜的“气息”，两位主角都有许多戏份需要用肢体语言与人物状态来“说”出故事。比如，白流苏终于如愿远离了上海的腐朽家庭，住进了范柳原为她在香港准备的房子，她在这所空房子里漫无目的地寻找，可最终找到的仍是无尽的虚无。这一幕需要扮演者万茜经历多种情绪的更迭，如愿以偿的欣慰、对未来的彷徨、担忧、对自我选择的疑惑都孕育其中，演绎得颗粒分明，层次清楚，使人完全沉浸和共情。

范柳原的人物形象也有着颇具匠心的改编，在国外的潦倒生活、纵情欢场的往事、漂泊无定的内心都使得人物形象更为丰满。一向以“硬汉”形象示人的宋洋也通过精湛的演技给大家带来了一个“看不透”的范柳原，尤其是他“浑厚”的声音，首演当场就圈了不少粉。 还有嚣张跋扈的四奶奶、柔弱而计较的三奶奶、懦弱无能的四爷也被傅淼等演员表现得淋漓尽致，让人深深感到置身于这个压抑窒息的白公馆。

国际主创团队的美学实践 各个细节都令人印象深刻

试演之后，《倾城之恋》的各个细节都令观众印象深刻。开场长达7分钟的舞蹈默片和蒙太奇片段让大家领略到了蔡敏仪（Carolyn Choa）的编舞功底，曾与《英国病人》导演安东尼·明格拉（Anthony Minghella）共同获得奥利弗奖杰出歌剧成就奖；叶锦添亲手设计的每一件旗袍精雕细琢，不仅完美复刻30年代的时代风貌，又兼具现代审美；Y字型的大型转台将舞台分割成若干区域，通过行云流水的设计与转换，分割成多个戏剧空间，随着背投的实时变化，时而是阴郁的白家，时而是灯红酒绿的舞厅，时而是阴暗的浅水湾饭店，与灯光完美配合，演绎出代表着永恒的月亮，不确定的树影…… 由彼得·芒福德（Peter Mumford）担任灯光设计，曾和马修·伯恩男版《天鹅湖》合作，也曾和北方歌剧院、英国国家剧院、英国皇家芭蕾舞团合作，曾获得奥利弗奖最佳灯光设计、照明骑士奖、也曾荣获多项托尼奖提名。

道具细致到白家餐桌上的菜肴、梳妆台上的香水瓶，甚至是角色手中的几枚美元，都完美复刻时代印迹；原创作曲杜韵更是别具匠心，就像给观众内心插上了指挥棒，对剧情的推动和情绪的渲染立下汗马功劳,不露声色地烘托着故事的命运、人物的内心及戏剧的情绪。